TEATRO NOH
O
Nô é a arte teatral clássica do Japão, um drama lírico que combina a música, a
dança e a poesia. O Nô adquiriu a sua forma definitiva no fim do século XIV,
graças ao trabalho de Kanami e seu filho Zeami, este último um estudioso da
estética inspirada no Zen. Pai e filho inovaram o Sarugaku, uma antiga e
popular forma de entretenimento, introduzindo refinamentos estéticos e tornando
esta arte teatral a mais rica em simbolismos do mundo.
O repertório do Nô é formado de aproximadamente 240 peças, entre as quais um
terço foi escrito por Kanami e Zeami. O Nô cresceu como arte popular durante o
período das guerras interfeudais (séculos XV e XVI). Durante a Era Edo,
o Nô foi considerado pelo xogunato Tokugawa a cerimônia artística oficial do
Estado. Assim, o Nô recebeu proteção e incentivos do governo tendo inclusive
vários daimyo que o estudavam e eram conhecidos atores.
A forma teatral alterna diálogos em prosa com declamações poéticas cantadas por
um coro. Todos os papéis são representados por homens, mesmo os femininos.
O personagem principal de uma peça é denominado shite, e o seu companheiro,
tsure. O ator secundário é chamado de waki, que às vezes também tem um
companheiro chamado de waki-zure. O shite é sempre um
fantasma,
um espírito ou uma criatura fantástica; um ser sobrenatural. O waki é um
personagem que vive no presente e tem por função trazer o shite e seu
companheiro ao mundo da realidade.
O
shite geralmente usa máscaras nas suas interpretações. Já o seu companheiro, o
tsure, utiliza-a apenas quando o seu papel é de mulher. O waki e o seu
companheiro nunca usam esses objetos. A máscara utilizada pelo shite tem a
função de dar uma maior profundidade emocional ao seu personagem, impossível de
ser realizada pelo rosto humano, ao mesmo tempo em que o destaca dos outros
atores.
O traje do shite é também o mais rico e lustroso, sempre mais bonito do que o
dos outros personagens. Essa característica nunca é prejudicada a favor do
realismo: mesmo que o personagem principal seja um simples camponês, o
vestuário elegante não é alterado.
Um
curioso ponto é que o Nô em muitos aspectos despreza o realismo, utilizando-se
de uma extrema sutileza nos simbolismos. Por exemplo, em algumas peças em que o
tsure aparece antes do shite, então se usa uma criança para interpretar o papel
de companheiro do shite, de modo que a sua presença não prejudique a atenção
dirigida ao ator principal. Isto acontece até mesmo quando a criança representa
o papel de um guerreiro, amante da personagem feminina do shite. O ator
infantil é conhecido por kokata e nunca faz uso de máscaras.
Existe uma grande variedade de máscaras de Nô, que podem ser divididas em
máscaras masculinas, femininas e demoníacas. Entre as máscaras de demônio estão
algumas que reproduzem rostos humanos, porém com uma expressão bastante
exagerada de alguma emoção.
O
palco projeta-se para dentro da platéia, para que se dê uma idéia de arte
tridimensional que pode ser vista de vários ângulos. O palco é coberto por um
telhado de estilo clássico, com a finalidade de recriar o ambiente original
que, no Japão feudal, era ao ar livre. O cenário é muito simples e austero; a
tela de fundo tem sempre a imagem de um pinheiro estilizado, nunca mudando de
uma peça a outra, mesmo que a história se passe dentro de um palácio.
Nos fundos do palco encontram-se os músicos. Os instrumentos tocados são uma
flauta de bambu e três tambores, de diferentes timbres e tamanhos. Todos eles
são indispensáveis na relação entre a canção, a música e a dança, seja na
harmonia da flauta, seja na marcação do ritmo dos tambores.
À
direita do palco está o coro, formado geralmente de oito pessoas dispostas em
duas fileiras, uma atrás da outra. O papel dos músicos é criar uma atmosfera
ideal à representação e à dança, sem nunca sobrepujar a interpretação dos
atores.
Os trajes do Nô são extremamente formais e de tecido abundante, de modo que os
contornos naturais do corpo do ator praticamente desaparecem. Dessa forma, as
características da roupagem, somadas ao emprego das máscaras, tem por função
apagar a individualidade do intérprete, e aí está a essência e o princípio
estético dessa forma de arte. O sutil impacto do Nô está justamente no talento
artístico que surge das restrições severamente formais que o caracterizam.
Kyogen
O
Kyogen é um gênero teatral inseparável do Nô; tem um caráter cômico e é
apresentado entre os intervalos das peças de um programa de Nô. O objetivo do
Kyogen é descontrair a tensão, provocar o riso e oferecer um contraste ao
drama.
Ao contrário do Nô, o Kyogen dá ênfase ao diálogo falado e coloquial, e
geralmente não há acompanhamento musical. Também não existe personagem
principal. Ao invés disso, dois atores, ou grupos de atores, são lançados uns
contra os outros.
Um programa
tradicional de Nô é composto de cinco peças, intercaladas por três ou quatro
peças de Kyogen. Atualmente, contudo, é costume fazer programas de apenas duas
peças de Nô intercaladas por uma Kyogen, ou até mesmo programas compostos
exclusivamente de peças de Kyogen.
Todo
programa de Nô apresenta o princípio do Jô-Há-Kyu, independentemente do número
de peças. Jô é a introdução, Há, o trecho central, e Kyu, a conclusão.
A arte do Nô e do Kyogen foi passada durante séculos de pai para filho.
Existem, hoje em dia, cerca de 1500 profissionais que trabalham com essa forma
teatral. Nesse número incluem-se os atores, os professores e os músicos
especializados em acompanhar as representações. O Nô firmou-se como forma de
arte cristalizada assim como o Kabuki.
Embora não tão popular como este último, em sua história de 600 anos o Nô ainda
se mantém vivo no Japão e, nesse aspecto, é único no teatro mundial.
Nō,
Nô,
Nou ou
Noh (能) ou
ainda
Nogaku(能 楽) é uma forma clássica de teatro profissional
japonês, que combina canto, pantomima, música e poesia. Executado desde o
século XIV é uma das formas mais importantes do
drama musical clássico japonês.
Evoluiu de outras formas teatrais,
aristocráticas e populares, incluindo o
Dengaku,
Shirabyoshi e
Gagaku. O
termo
Noh deriva da palavra japonesa talento ou habilidade. Muitas de
suas personagens usam máscaras, mas não todas. Suas raízes podem ser
encontradas no Nuo (傩戏) - uma forma de teatro da
China. Deu origem a outras formas dramáticas, como
o
Kabuki. Um
de seus mais importantes dramaturgos é
Zeami Motokiyo
(1363-1443). Zeami também deixou tratados sobre a arte de interpretar.
O Noh hoje
Se uma apresentação de
Noh costumava
durar todo o dia e consistia de cinco peças intercaladas com pequenos textos
cômicos de
kyōgen, nos
dias de hoje consistem de apenas duas peças de
Noh intercaladas com uma
de Kyōgen.
Descrição do Noh
O foco da narrativa se encontra no protagonista
(shite), o único que porta uma máscara. Shite é um espírito errante que
exprime, de forma lírica, a nostalgia dos tempos passados. O coadjuvante
(waki), geralmente um monge, não interfere no curso da ação, apenas é revelador
da essência do shite. Um coro e quatro instrumentos auxiliam na condução da
trama, que se soluciona através da dança. Esse coro, vale destacar, possui uma
função dramática decisiva, conduzindo a narrativa.
O Noh é a fusão de poesia, teatro,
bailado, música vocal e instrumental e máscaras. Os diversos elementos musicais
são estreitamente entrelaçados numa simbiose entre o canto e a pantomima. No Noh,
a descrição de cada cena repousa unicamente no texto do canto, nos gestos e nos
movimentos do ator. A combinação desses elementos obedece a regras corporais e
musicais, a teorias sofisticadas, resultando numa estética extremamente
refinada, o que gera dificuldade geral em compreendê-lo e apreciá-lo. Isto
ocorre sobretudo no que se refere ao libreto, escrito em linguagem arcaica e
complexa, na codificação de gestos e movimentos, e na linguagem musical
característica, totalmente estranha aos ouvidos comuns.
Os movimentos sintéticos do ator, são quase
imperceptíveis como, por exemplo, de uma maneira estilizada e sutil, levanta os
olhos para a lua, ou num gesto com a mão retira a neve do kimono. Esses
movimentos fazem surgir aos olhos e espírito do espectador, um universo todo
poético, um mundo visto de diversos ângulos envolvendo fenômenos da natureza e
da vida.
O Noh é caracterizado pelo seu estilo
lento, de postura ereta, rígida, de movimentos sutis, bem como pelo uso de
máscaras típicas. o codificador maior dessa arte. Com um repertório de
aproximadamente 250 peças, o universo Noh é habitado por deuses,
guerreiros e mulheres enlouquecidas, às voltas com os mistérios do espírito.
Por tradição os atores de Noh não
ensaiam juntos, cada ator pratica seus movimentos, canções sozinho ou com a
orientação de um membro mais antigo. Entretanto, o ritmo de cada apresentação é
determinado pela interação de todos os atores, músicos e pelo coro. Desta forma
o Noh exemplifica um dos princípios estéticos de tempo e duração,
chamado por Sen no Rikyu "ichi-go ichi-e".
Uma das peças mais famosas do repertório nô,
é "Hagoromo - O Manto de Plumas", que tem uma
"transcriação" para o português, feita pelo escritor
Haroldo de Campos.
Peças
As aproximadamente 250 peças do repertório de
Noh podem ser classificadas de diferentes formas, pelo conteúdo, pelo
clima, pelo estilo.
As peças
Noh decorrem num palco
bastante despojado, feito de hinoki liso (
cipreste
japonês). O cenário é, invariavelmente, constituído apenas pelo
"kagami-ita," um
pinheiro
pintado, no fundo do palco, mesmo que a peça se desenrole noutros locais. Há
várias explicações para o uso desta árvore, sendo muito comum a interpretação
que se refere aos rituais
xintoístas,
pelos quais os deuses descem à Terra por este meio. Outro adereço inconfundível
é a ponte estreita (a "Hashigakari"), situada à esquerda, que os
principais actores utilizam para entrada e saída das personagens.
Clima
- Mugen nō (夢幻能) apresenta espíritos,
fantasmas e o mundo supernatural. O Tempo é frequentemente desenvolvido de
forma não linear e a ação pode mudar entre dois ou mais cenários.
- Genzai nō (現在能), eventos cotidianos.
Estilo
Geki nō - peças
dramáticas desenvolvidas no avanço da narrativa e da ação.
Furyū nō - peças dançadas
que focam na qualidade estética das danças e canções representadas.
Okina ou Kamiuta
- é uma peça única que combina dança com o ritual xintoísta. É considerada a
mais antiga peça e a mais representada, usualmente na abertura de qualquer
programa ou festival
Teatro Noh no Brasil
Não se pode falar
em Teatro Noh no Brasil sem mencionar o nome Hakuyokai (Haku=Brasil;
Yo=canto de Noh; Kai=associação), o grupo pioneiro de praticantes de Noh,
da cidade de São Paulo
que tanto contribuiu para a divulgação desta arte no país.
Tudo começou quando
Nobuyuki Suzuki, pesquisador e professor universitário, veio ao Brasil a
serviço do Ministério da Educação e do Ministério das Relações Exteriores do
Japão, em agosto de 1939. O objetivo da viagem era ministrar uma série de
palestras em São Paulo e nas colônias japonesas, a respeito da cultura
nipônica.
Durante sua
estada, convocou, através da imprensa, todos que quisessem participar de um
encontro de Noh. A partir de então, até o início da Segunda Guerra Mundial,
houve algumas apresentações, sendo que, nesses encontros, participavam tanto a
Escola Kanze quanto a Hosho.
Em seu retorno ao
Japão, após o término da Guerra, alguns praticantes sucederam-no, inclusive seu
filho Takeshi, na organização dos encontros. Takeshi Suzuki, da Escola Hosho,
empenhou-se no estudo e na prática desta arte, fazendo apresentações regulares
e, em 1984, comemorou a 100ª apresentação do grupo Hakuyokai.
Com a morte de
Takeshi Suzuki e de Noboru Yoshida (Escola Kanze), os grupos se dispersaram e,
as atividades da grande maioria deles ficaram restritas aos treinos de canto de
Noh e, nos últimos anos, não se registram apresentações conjuntas.
Hoje, acredita-se
que quatro grupos continuam cantando, bailando e tocando instrumentos na
tentativa de preservar essa arte tradicional milenar no seio da comunidade
nipo-brasileira.
http://sadame.wordpress.com/2008/07/01/teatro-no/
http://pt.wikipedia.org/wiki/Noh
